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Disparu le 10 novembre 2016, Leonard Cohen avait publié le 21 octobre dernier "You Want it Darker". Un quatorzième album studio qui a pris une dimension testamentaire, où le chanteur et poète canadien de 82 ans se préparait une dernière fois au trépas. Avec une noirceur solennelle mais pleine d’amour.
Photo: Columbia/Sony Music/Adam Cohen
Sur «Ici-bas, ici même» (PIAS), neuvième album radieux en vingt ans de carrière, le Brestois tourmenté vire vocalement et musicalement de bord. Remontée du temps en un coup de fil.
Une voix qui chuchote et des oiseaux qui sifflotent. Dans sa maison du Finistère, Miossec s'est assis en terrasse, face à la mer. Posément, au bout du fil, le chanteur remonte le cours du temps, de là où il a repris pieds en amorçant un nouveau virage musical et vocal. Vingt ans d'un fleuve intranquille qui l'ont vu passer du fulgurant Boire (1995) qui a remué la chanson à la française à Ici-bas, ici même, neuvième album enregistré dans son cocon breton et navigant comme jamais en eaux calmes. « Pour arriver au stade d'épurement d'Ici-bas, ici-même, il a fallu énormément de travail en amont, de ratures et de textes bazardés. Au même titre qu'il m'a fallu du temps pour m'accepter pleinement en tant que chanteur et être à l'aise dans ce monde-là. Je crois que c'est important de s'être ramassé la tronche, de ne jamais être autosatisfait comme certains collègues qui, à trop vouloir monter sur l'estrade et faire les malins, en ont payé le prix fort après un licenciement général prononcé par le public.»
A contre-courant des électriques Chansons ordinaires (2011) et Finistériens (2009), Miossec est passé ainsi du tangage aux roulis, du rock tourmenté à une pop lumineuse. Le presque quinquagénaire a trop connu les remous pour ne pas apprécier cette sérénité inédite. «Après l’étiquette d’écorché vif, c’est celle d’homme apaisé que les médias me collent à la peau. Mais mes disques reflètent juste une vie normale constituée d’époques différentes et donc de hauts et de bas.» Soit. Mais comment s’est opéré ce virement de bord? «J’ai surtout voulu éviter de radoter et proposer autre chose. En termes d’écriture, j’ai chassé mes automatismes, éviter mon fonds de commerce pour tenter de viser des émotions plus universelles. Cet album m’a permis aussi d’assouvir le vieux fantasme de réaliser un disque à la maison, dépouillé, en peu de temps, en petit comité et sans pression ni souffrance. Un disque qui corresponde à mes humeurs musicales actuelles, où le jazz est très présent».
Allongé dans un cercueil
Puisque Chet Baker ou Nina Simone résonnent dans son salon et qu’une collaboration piano-voix avec le jazzman Baptiste Trontignon figure parmi ses meilleurs souvenirs scéniques récents, Miossec a fait appel pour la réalisation d’Ici-bas, ici-même au raffiné multi-instrumentiste et chanteur Albin de la Simone (Vanessa Paradis, Alain Souchon, JP Nataf, Arthur H ou Mathieu Boogaerts), présenté par un ami et ingénieur du son commun. Premières intentions et impressions piano-voix (et marimba, contrebasse), improvisations, prises sonores sur le vif et peu d’arrangements ajoutés, le répertoire revêt rapidement dans le sous-sol de sa maison mué en studio d’enregistrement les airs spontanés souhaités par son capitaine. Une voilure sonore à la délicate acoustique où le chant de Miossec, au premier plan, fluide et mélodieux, peut autant envahir l’espace que ménager d’habiles respirations.
Bien que les thématiques des chansons ne prêtent pas spécialement à sourire, la mort rôde souvent, Miossec s’épanouit vocalement comme rarement. «C’est vrai que je chante sans doute bien pour la première fois, comme si j’étais allongé dans un cercueil», s’amuse le Brestois qui, quant à l’irruption de la disparition au cœur de ces couplets, imagine d’abord en ironisant que «c’est dû à l’approche de la cinquantaine, des examens médicaux, etc». Avant de se raviser: «La mort a rôdé et rôde autour de moi. Le cancer devient une épidémie quotidienne et j’ai vu disparaître quelques proches ces dernières années (Alain Bashung ou Jean-Louis Foulquier, ndr). Mais si le thème aussi inépuisable que tabou de la mort s’est imposé, je ne voulais surtout pas l’accabler, qu’il soit plus mortifère encore. Je crois que ça a été mon plus grand défi et ma plus grande fierté en matière d’écriture pour Ici-bas, ici-même».
Un cap salutaire
La fuite du temps, obsession et angoisse durable de Miossec avec les ravages de l’amour, se trouve ici une maîtresse de taille grâce à des titres comme «On vient à peine de commencer», «Nos Morts», «A l’Attaque» ou «Des Touristes» qui se glissent dans les habits de la mort avec la subtilité d’un miraculé. Ne recensant plus seulement mélancoliquement les coups du sort, les plaies de l’âme et les gueules fracassées, Miossec trouve un cap salutaire pour ses chansons. Frottés au papier de soie plutôt qu’émeri, ces onze nouveaux titres gagnent en profondeur et émotion. A l’image de ses concerts autrefois sabordés, parfois sous l’emprise de l’alcool qu’il a depuis quatre ans arrêté sur injonction médicale, durant lesquels il confie enfin avoir retrouvé «un terrain de jeu formidable, qui donne de l’allant et un souffle neuf».
Et si l’ex-journaliste a baptisé sa tournée «Vingt ans dans la carrière», c’est juste pour mieux souligner, en plus du clin d’œil à ses origines ouvrières, la dimension laborieuse de sa «trajectoire de chanteur débutée sur le tard et furieusement à 30 ans. Les premiers moments sont toujours les plus forts. L’époque de Boire, ces deux premières années où la vie professionnelle bascule, était invraisemblable, surréaliste. Aujourd’hui, j’ai retrouvé sur scène ce plaisir et ces sensations fortes».
Cet article est aussi paru dans le quotidien suisse Le Courrier du 31 mai 2014
Dans la profusion des sorties mensuelles, ne retenons que quelques chansons...
Sans doute l’un des groupes les plus ombrageux, fins et mésestimés de la scène rock francophone, Tue-Loup poursuit son discret chemin en lointain cousin de Smog, Swell, Lambchop ou Calexico. Habité d’un certain esprit aventureux du rock américain, où langueurs et torpeurs se côtoient entre murmures et fêlures vocales, la formation enracinée dans la Sarthe et emmenée par Xavier Plumas délivre un neuvième album au caractère bien trempé.
Ce bien nommé 9 ne joue pas la carte de l’inédit à tout prix et préfère reprendre une formule brillamment éprouvée depuis le troisième coup de maître qu’a été La Belle inutile (2002). Poésie naturaliste, tempêtes électriques et climats désenchantés mènent ainsi la cadence, en sus de quelques cas d’école buissonnière où ce sont les textes qui jouent les oiseaux de mauvais augure ("Marinette"). Souvent dense, ce répertoire n’héberge que quelques touches cuivrées, un piano ou des sirènes en guise de chœur pour varier et oxygéner parfois une lourde atmosphère générale ("Mark-Mark").
Dans les eaux troubles, ciels orageux, forêts embrumées, "cimes assombries" et rares échappées belles que convoque Tue-Loup, la décrépitude, l’ennui, les élans et frustrations amoureux sont saisis à vif. Même quand les orages musicaux se dissipent, hormis sur "Les chevauchées" en épilogue, les mots crus de Plumas, bien qu’en arrière-plan, étouffent. A ce titre, "Les abysses", "Les grandes marées" et "Margot" constituent l’acmé de ce 9 saisissant malgré un creux magmatique ("Jouvence").
L'extraversion après l'introversion. Trois ans après Mister Mystère, révélant la face sombre de Matthieu Chedid, M publie Îl. Un sixième album solo en quinze ans qui fait la part belle au bouillonnement pop-rock, aux langueurs mélodiques et à l'économie de mots. Il s'y déleste de plus en plus de sa panoplie de super-héros. Rencontre avec un homme tranquille.
Après avoir dévoilé votre part d'ombre sur "Mister Mystère", "Îl" constitue-t-il un retour à une douce lumière?
Oui. Même pour être très clair, un retour à une lumière rayonnante, intense, explosive presque, même qu'elle semble douce parfois. J'avais envie d'un lâcher-prise, d'un arc-en-ciel, d'un feu d'artifice, d'une dimension festive. Îl est un disque extraverti, épique, spectaculaire, hollywoodien en un sens comme une suite de courts-métrages. Mister Mystère m'avait permis d'aller chercher une certaine paix, de me faire renaître et de retrouver l'essence de M. C'était comme un voyage initiatique et intérieure. A 40 ans à présent, je voulais revenir de façon plus vive, tout en me reconnectant avec mes débuts. Îl me rappelle aussi mes débuts en 1997 avec Le Baptême, un album de lâcher-prise total où je n'avais rien à perdre.
"Îl" désigne-t-il davantage l'exotisme îlien ou l'idée de l'autre ?
Les deux. C'est l'idée de proposer une île, un lieu imaginaire où tout est permis, avec une vision tout à la fois masculine mais ouverte sur l'autre. Même si l'album commence par une chanson intitulée "Elle" et que ma part de féminité reste présente. Mais c'est aussi l'autre, M, qui permet de me réinventer, de ne pas figer ce personnage dans une époque ou une couleur. M se retrouve d'ailleurs davantage aujourd'hui dans mes lunettes que ma coupe de cheveu. Et pour la prochaine tournée, je n'aurais sans doute plus besoin de passer une heure dans ma loge pour me métamorphoser en M : mes fringues et mes lunettes suffiront pour des concerts plus bruts et rock.
Le besoin de dédoublement, du masque et de la panoplie artistique s'est-il estompé ?
Oui, je crois assumer de plus en plus ce que je suis et qui je suis, même si l'ai toujours relativement bien assumé. J'ai d'ailleurs appris récemment que Chedid veut dire intense en arabe, alors peut-être que mon nom me donnera un jour raison. Il reste que, paradoxalement, c'est avec un masque qu'on est davantage soi-même. Si je me transforme, c'est que cela me permet d'être encore plus moi. Ce n'est pas une histoire d'apparence mais de fond. J'ai plus un langage de fond que de forme alors que le visuel est fort chez moi. C'est troublant.
Vous avez endossé quantité de casquettes ces dernières années– arrangeur pour Johnny Hallyday ou votre père Louis Chédid, guitariste au côté de Vanessa Paradis, compositieur de la BO de "Monstre à Paris" -, vous aimez papillonner ?
Je crois être à l'aise dans la diversité, quand ne suis pas figé dans un rôle. Je prends autant de plaisir en tant que personnage central que musicien ou producteur de l'ombre. Je ressens surtout le besoin artistiquement d'échapper au confort, qui me fait extrêmement peur et signifie la mort de la créativité. En ce moment, j'essaie de faire la musique pour un spectacle de James Thierrée (ndlr : petit-fils de Charlie Chaplin), qui a vécu en Suisse, et me retrouve dans un registre non plus mélodique mais de musique concrète.. Et j'adore cela. Ce qui m'amuse, c'est avant tout d'apprendre et donc d'aller chercher en moi quelque chose de neuf dans des univers différentes.
Vous vous sentez toujours sur le fil de l'essentiel et du dérisoire ?
Oui, plus que jamais. Au même titre qu'une chanson est tout et rien à la fois. Et c'est cette fragilité que j'aime beaucoup dans la musique qui, à l'image de la vie, est autant une grande blague qu'une chose essentielle.
Sur l'album, il y a pourtant un titre qui dit "Faites-moi souffrir"...
C'est d'abord une chanson ironique, qui se moque de nous et certaines de nos petites souffrances ridicules. C'est également un prétexte au lâcher-prise, à l'amusement. En sous-texte, il s'agit de dire aussi que dans des grands moments de tristesse on peut toucher artistiquement à la grâce en se libérant totalement.
Personnellement, vous créez mieux dans la souffrance ou le bonheur ?
Je dirais que les deux sont bons à prendre. Je vois les choses par-delà le bien et le mal. Dans des moments d'énergie vitale, quand on est en paix, recentré et en phase, on trouve des sources formidables et éclatantes d'inspiration. Et dans les moments de perdition, de souffrance, de tristesse, on a accès à une forme de désespoir inspiré qui peut se révéler d'une absolue beauté.
Dans la profusion des sorties mensuelles, ne retenons que quelques chansons...
Catherine Ringer, Ring n'Roll (Six Sarl)
Après avoir chanté esseulée les Rita Mitsouko, amputée de son défunt compagnon de route et de cœur Fred Chichin, Catherine Ringer opère sa véritable renaissance solo. Evidemment, l’ombre enfuie en 2007 de Chichin rôde ça et là sur ce Ring n’Roll. Ce sursaut n’a pourtant rien de larmoyant et débute d’ailleurs par un «Vive l’amour» pétillant dénué de tout volontarisme. Plutôt multicolore que doloriste dans ces registres esthétiques, l’album embrasse ainsi goulûment les visages du rock’n’roll – comme les Rita Mitsouko durant plus de vingt-cinq ans – avec même deux étapes en anglais dans le texte.
Quelques ballades sans pathos ni romance, dont l’extraordinaire «Pardon», et quelques curiosités, comme ce «Got it Sweet» à l’esprit jazz-pop cabossé avec flûtes, claquements de mains et piano, ou ce «How Do You Tu» à la rythmique bringuebalante, complètent ce retour fringuant de Catherine Ringer.
Malgré quelques titres dispensables car mal fagotés (les tics nirvanesques de «Quel est ton nom» par exemple, le cybernético-chaotique «Punk 103»), ce répertoire tient surtout et toujours grâce aux captivantes métamorphoses et modulations vocales de la chanteuse. A l’image de «Si un jour» et surtout le saisissant «Mahler» empruntant à la Symphonie No 5 , où elle plane aux confins de la ferveur et de la gravité sur des réminiscences sentimentales et charnelles. Entre joie et turbulence, tendresse et détresse, Ring n’Roll s’apparente en définitive à une belle remise en selle à défaut d’un retour en grâce.
Tue-Loup,